En casa del enemigo

Dibujo de Ceija Stojka de su exposición en la Maison Rouge, en París

Ceija Stojka era una mujer austriaca de estirpe gitana, vivía en caravanas con sus padres y hermanos y según sus textos e imágenes, era feliz. Pero llegaron los nazis y terminó en la "casa del enemigo". Sobrevivió a varios campos de concentración y muchos años después, porque salió de los campos siendo una niña, lo relató todo, con poemas, dibujos y pinturas, era autodidacta y era una artista maravillosa. No sé si cuando realizó su obra pensaba en el impacto que tendría para quienes la pudieran ver. Murió hace unos años.

Yolanda Domínguez explicando en Caixa Fórum su trabajo con las galletas

Salí muy estremecida de su retrospectiva en la Maison Rouge y el viernes pasado en la clase con mis estudiantes les mostré algunas imágenes de su obra y aproveché también para poner algún vídeo de pases militares del 3er Reich, para reflexionar que ética y estética, lamentablemente, no van de la mano. Una obra, una acción, una arquitectura, un desfile, etc pueden ser estéticamente poderosos y una aberración ética.

Hoy pude asistir a una charla en el Caixa Forum de Yolanda Domínguez, me interesa mucho su trabajo, también lo comparto con mis estudiantes e incluso practicamos el proyecto "Poses" en un curso.

Hace unos días Yolanda me dejó descolocada porque sacó un fake donde decía que estaba desayunando galletas TostaRica con imágenes de mujeres importantes en la historia. Eso como ella dice es otra forma de entrar "en casa del enemigo", usar las reglas del juego del mercado, ir a fondo en los espacios de la publicidad, de la televisión, los blogs de moda, participar en Telecinco, ale, hasta el fondo. Qué bárbara es Yolanda. Ella es también una artista, trabaja de otra forma, en unos códigos activistas, feministas buscando tener una gran repercusión y llegar a mucha gente.
De mi parte lamento que en la sociedad que tenemos la obra de Ceija Stojka no se haga viral, porque lo que retrata en sus trabajos debería verse, para tomar conciencia, para que no sigamos repitiendo la clave del dolor. La cosa es que de momento, su obra llega a un público muy restringido. Nada de viralidades.

Pero en fin, a mi me inspiran las dos. Soy afortunada.

La clase de maestra que soy

Un rincón en mi casa onírica, la habitación onírica, en esa estantería hay cuentos de hadas

Soy mujer y soy artista, mi trabajo como maestra es un trabajo de creación y aprendizaje. 

Vivo cada clase como una aventura, el asunto me acompaña y sigue conmigo los otros días aunque no tengamos clase, porque sigo incubando.

No siempre me siento igual, mis emociones afectan a la clase. También doy importancia a las emociones de mis estudiantes. 

Procuro aprender de mis errores. 

Me divierto en este trabajo y comparto mi proceso creador como artista, porque aunque no esté siempre relacionado con lo que hago como maestra, yo soy la misma y además soy maestra de educación artística, así que mi práctica como artista me parece algo a compartir con mis estudiantes.

Empecé a trabajar en 1999 en la Universidad Autónoma. 

La universidad española te lleva a una inercia de no moverte de tu centro, porque cuando sacas "la plaza" después de muchos años de penalidades académicas (que no con los estudiantes que ese es un camino de vocación y de aprendizaje en otro sentido) el puesto lleva en sí el ancla permanente.

Pero yo soy viajera y me siento extranjera en todas partes.

Desde hace un tiempo aprecio y cultivo sentir que mi casa está donde yo me encuentro. 

Aunque por otra parte me gusta vivir en Madrid y en mi casa onírica.

Y es verdad que trabajo sobre todo en ella. Aquí dibujo, pinto, creo, invento, escribo, os leo.

En la universidad son reuniones, gestiones y las clases, que para mi son como os he dicho creación también.

Esta es la clase de maestra que yo soy y que este año vestís cada lunes. 

Una maestra que muchas veces sueña con vosotros mis estudiantes.

Sobre infancia, infantilismo, vergüenza y sinvergonzonería

Versión del cuento según los Grimm del año 1941

Ayer y siguiendo nuestro proceso de construcción de una nueva historia del cuento de Blancanieves, nos encontramos con varios conceptos importantes a reflexionar. Apareció el tema de la vergüenza cuando nos pusimos a realizar ese baile que conjurara a la bruja (no estamos muy acostumbrados a movernos en ambientes fuera de espacios rituales y ayudados de alcohol u otras sustancias). Ahí se trataba de bailar y verdaderamente sentir el baile y conjurar ese mal, porque todo había partido de un hecho sincrónico que lancé al grupo, y nos venía muy bien para la puesta en marcha de la energía arquetípica del cuento, una puesta en movimiento desde lo positivo.

Comencé a bailar con Daniella sin música, y luego con música fuimos animando a los demás, las compañeras se incorporaron poco a poco. Es normal la vergüenza con el cuerpo a estas edades jóvenes. Me acuerdo del libro de Shinoda Bolen sobre las ancianas, ancianas esplendorosas, que disfrutan, se ríen, no se quejan... no tienen la vergüenza paralizante de la juventud. También de Pinkola Estés en su libro La danse des grand-mères la danza de las abuelas, en este libro se cuenta que tradicionalmente la misa daba una presencia muy importante a la danza, cosa que luego se fue recortando hasta desaparecer, pero en la ceremonia nupcial "Il existe une tradition ancienne, qui veut que lorsqu'une fille se marie, les vieilles femmes essaient de tuer le marié avant qu'il gagne la chambre nuptial. Et leur arme, c'est la danse" (Existe una antigua tradición, que hace que cuando una chica se casa, las viejas tratan de matar al casado antes de que gane el lecho nupcial. Y su arma es la danza). Efectivamente la tradición que relata el libro es una en que las cuatro abuelas bailan con el novio hasta que lo dejan prácticamente exhausto, y es en ese punto donde le es permitido el paso a la compañía de su novia, a la que las abuelas dicen que está bien el marido, que ya lo han probado en el baile y piensan que podrá hacerla feliz. El poder de esas abuelas es enorme y su falta de vergüenza también, no temen la crítica, están por encima de eso, tienen enorme seguridad en sus viejos pero poderosos cuerpos, y mucha energía (bailan hasta derrotar a veinticinco jóvenes caballeros según el relato, incluido el novio). Sería bueno aprender de esta falta de vergüenza en la juventud para no perder oportunidades de disfrute en que permitirse sencillamente "ser".

Otra cosa es la sinvergonzonería, ahí lo que se juega es otra cosa, es la falta de límite en el respeto ajeno, es la burla de la ley que solamente se acata para evitar la pena, no por convicción ni por ética ni por solidaridad, el sinvergüenza no tiene más límite que su cobardía.

El otro importante asunto que apareció fue el infantilismo. Resulta que estamos en un mundo que estéticamente poblamos de imágenes dulces y amables para consumo infantil, estereotipadas, mientras por otra parte todo suena a violencia y a falta de valores. Los niños se crían en esta paradójica papilla cultural. En nuestro grupo no podía ser menos, por eso en la lluvia de ideas para el guión del cuento aparecieron algunas llenas de transgresión, de traspaso de límite, de supuesta anormalidad, y a la vez, y en su frente, otras de magia y suavidad. Se podía ver un interés por aligerar la carga y proteger al niño (quizás al niño interno) en estas visiones. Lo cierto es que no hay tal frontera entre niños y adultos, precisamente porque todos convivimos en un mismo espacio cultural, podemos proteger a los niños y educarles para diferenciar al depredador, a lo que hace daño, pero no podemos aislarles del dolor, la pérdida, la violencia, la injusticia, la frustración y el fracaso. Los cuentos tradicionales son enseñanzas para vivir, hasta no hace tanto el estatus de niño no estaba claro como ahora, y en una parte hemos avanzado en protección de la infancia pero también otras cosas se han desnaturalizado, sigue habiendo pederastia, no sabemos si más que antes, y también niños con el síndrome del emperador, pequeños tiranos sin límites. El abonitamiento, concepto que utiliza mi compañero Pablo Romero, es un síndrome estético de adultos que tratan de hacer un producto amable a los niños, pero verdaderamente hacemos de las criaturas nuestras cosas, los vestimos a nuestro gusto y les indicamos lo que ha de interesarles, es raro tenerles verdaderamente en cuenta desde su identidad preciosa y con la enseñanza de justos límites. 

No veo clara la frontera niños adultos, en lo más profundo del ser todo es permanente. Siento un sabio cuando me acerco a veces a un niño, o a un déspota, depende el caso. Y cuando es a un adulto, también en ocasiones encuentro una criatura malcriada y reactiva.

Es un gran reto versionar un cuento de hadas tan potente como Blancanieves donde juegan la inocencia y el mal un combate sin par. Y rehacerlo, desde una profunda incubación, puede ser un proceso maravilloso.

Esto es arte, esto no es arte

Entrada del espacio de las fotos de Koons con Cicciolina, porno en
el arte contemporáneo con alegría

Hace un par de semanas estuvimos viendo en clase la obra de Marina Abramovic con las estudiantes de Educación Infantil.

En un momento apareció el tema de la legitimación de lo que sea o no arte, este asunto delicado, complejo. Yo les conté cómo en un congreso de educación artística esta cuestión había desatado una performance que probablemente fue parte del proceso de incubación de la performance posbolonia. A alguien le habían dicho que lo que hacían en su centro "no era arte" Performance: Esto es arte, esto no es arte

La exposición más visitada. Koons me recuerda los productos de una
tienda de todo a un euro en gran tamaño

Comentamos que en terrenos artísticos, vivimos la complejidad producida por una parte, por la costumbre de que personas sin formación artística opinen y sienten cátedra sobre productos artísticos (sobre el trabajo de un cirujano nadie osa hablar), a la vez que la especulación en el mercado del arte hace endeble la reputación profesional digna en este ámbito de trabajo.

La exposición de las Guerrilla en Matadero. Ellas tratan de
reivindicar justamente la presencia de la mujer y las minorías
en las exposiciones y salas de arte actual, denunciando la
especulación y la manipulación de estos ámbitos

Entre la idea de que un artista es un genio tocado por el dedo divino (de preferencia macho), y que la legitimización de lo que sea arte ha de hacerla esa "casta" preparada (¿?) (lo de casta por usar un término muy de moda hoy en día y porque verdaderamente, la forma en que se reparten el tinglado galeristas, directores de museos, críticos etc es bastante poco clara), coloca el entramado en un lugar muy complejo.

Desde la educación artística se abre el debate, se aprecia la producción creativa de niños y adultos, independientemente de que no sean artistas, y se considera arte, arte infantil por ejemplo. Arte es un producto artístico creado desde un sujeto que lo siente como tal. Profesional del arte es alguien que se dedica al arte como experto, es su oficio, su "metier". Dentro de los profesionales del arte hay mejores y peores, hay muy buenos y hay bazofia, como entre los dentistas, los costureros, los abogados etc. En todas las profesiones hay mejores y peores profesionales.

La educación artística puede contribuir mucho en la sanación del infectado aspecto especulativo y desnaturalizado de lo que se considera arte, y del adecentamiento del profesional, desde su reconocimiento correcto sin retóricas ni exageraciones "geniales". 

La exposición de Jeff Koons ha resultado éxito absoluto de visitas en el Centre Pompidou, hay que reconocer el poder mediático de este artista que estuvo casado con Cicciolina y del que se puede decir muchas cosas, pero no que sea discreto precisamente. Para mi el fenómeno Koons se parece en el plano de la estética visual, al de las 50 sombras de Grey en lo literario. Producto de masas de una sociedad que ha perdido su estructura tradicional y se disuelve buscando posibilidades de vivir, en un medio líquido (Bauman), donde todo es de usar y tirar, abocado a la obsolescencia, de los objetos a los afectos, y que necesita desesperadamente ser reinventado.

El hacedor de marionetas

En el Palacio de Cristal del Parque del Retiro de Madrid encontramos una instalación, peculiar, intimista. Se ubica en el centro del espacio, es una caravana habitada por diferentes criaturas. De la caravana salen sonidos y la atmósfera es onírica.

El lugar de la exposición ya ayuda al tratarse de un palacio de vidrio, recuerda un cuento de hadas, y esta propuesta de los artistas Janet Cardiff y George Bures Miller de Canadá, parece perfecta para este escenario.

El arte contemporáneo en su virtud de hacernos entrar en un baño de experiencia estética.

Podemos aproximarnos y mirar, hay algunas figuras que se mueven. Podemos imaginar.

Encontraremos una sorpresa, que imagino apreciarán las compañeras de Educación Infantil. Como dice el texto de la muestra: < "Considerad/ a una chica que se está desvaneciendo, / con los brazos lánguidos como zanahorias viejas, / sumida en un trance hipnótico, / en un mundo de espíritus / hablando con el don de lenguas...". Y al igual que en el poema Briar Rose (Sleeping Beauty) de la escritora americana Anne Sexton, ésta es una bella durmiente alejada del popular relato infantil. Aquí la figura dormida se convierte en una metáfora que nos lleva a intuir otras historias escondidas.>

Paul McCarthy y el chocolate

Fabricando sin parar hombrecillos de chocolate

No imagino que Paul McCarthy al diseñar su factoría de chocolate, tremenda instalación en la Casa de la Moneda en París, pensara en los niños particulamente, pero tampoco me lo imagino desaconsejando la visita a niños y adolescentes como se extendió luego por las redes, de hecho yo fui con una niña de cuatro años que disfrutó mucho la muestra. Puede ser que MacCarthy pensara en nuestro ser interno en el que habita un niño siempre y desde luego la instalación evoca un cuento de hadas, ya estamos viendo que los cuentos de hadas pueden ser muy duros, violentos y obscenos, no se empezaron a contar para los niños, pero indudablemente formaron parte de la tradición oral que educaba y culturizaba generaciones. 

En fin, lo cierto es que esta muestra, instalación viviente y performática, irreverente y sutil, me gustó mucho.

El tremendo olor a chocolate y, la producción incansable de estos "petit bon homme" con el autorretrato del artista portando una especie de falo-árbol-juguete sexual en la mano, impresiona. Sobre todo el olor tan fuerte y el sonido de la fabricación mezclado con las alocuciones de algunos videos que se proyectaban en las paredes.

El chocolate se ha relacionado con los excrementos y estos con el dinero, parece que no es casual que esta propuesta se desarrollara precisamente en "La Monnaie de Paris" ahí donde se hace el dinero. Además los hombrecitos de chocolate que se producían sin pausa se podían comprar (y comer). La exposición tiene un punto onírico, con esas camitas amontonadas, es muy inquietante y lúdica a la vez. En ella participan las mejores paradojas del arte contemporáneo. El sentido del humor está presente, y es negro como el porcentaje de chocolate que se utiliza en la composición de estos hombrecillos. 

Efectivamente esta exposición y a pesar de que McCarthy sufriera un acto vandálico en uno de sus objetos inflables El árbol gigante de MacCarthy desinflado y en su propio rostro abofeteado, se pudo hacer. Como dice mi amiga Diana, efectivamente tenemos la suerte de vivir en un mundo donde la libertad de expresión es posible, aunque el poder es el que indica cómo divulgarla y dónde están los límites y dónde la ilegalidad, nada comparable a otros lugares donde te pueden ajusticiar por ver una película de Hollywood (como explica la chica norcoreana en el video que corre por las redes). 

Confieso que yo también cometí mi pequeño acto transgresor y comí un trocito de un hombrecillo que otro arrancó para mi de una de las figurillas, estaba realmente delicioso.

Dina Goldstein

El proyecto de Dina in the dollhouse

En el trabajo con el imaginario de los cuentos de hadas y los muñecos para consumo infantil, Marta nos propone mirar el trabajo de la artista Dina Goldstein. Dina Goldstein

Concretamente dos de sus proyectos: la casa de muñecas de Barbie y las recreaciones de imágenes de cuentos de hadas.

Su obra tiene un fondo irónico y con ese amargo humor, toca aspectos dolorosos de lo humano.

La casa de muñecas de Barbie

 

Las princesas

 

 



Inauguro una exposición caperucil

El Chaperon de la bellota, 2012

Queridos amigos, compañeros, estudiantes, actuales y antiguos, en todos los sentidos de la frase que encabeza, presentes siempre.

El próximo día 14 inauguro una exposición que reflejará el trabajo que llevo desarrollando desde 2010 en torno al cuento de Caperucita.

Es una exposición de incubación lenta, y que me hace muy feliz poder compartir ahora.

Es un proceso principalmente pictórico el que muestro y ahí reivindico para mi misma mi vocación y mi ser de niña que se imaginaba adulta y pintando, en el oficio vaya, en ese oficio que a veces la contemporaneidad parece que olvida. Mi bellota.

He partido del cuento de hadas Le Chaperon Rouge, que viene de la tradición oral francesa como primer referente europeo pero del que se encuentran versiones en todo el planeta, haciendo eco a la teoría de lo inconsciente colectivo.

A través de este cuento elaboro y repienso mi tradición personal, mi historia familiar de mujeres, mi madre, mi abuela, mis tías de crianza, y la relación con el ánimus, muchas veces negativo (parafraseando a mi madre: "hija, las mujeres de nuestra familia hemos tenido siempre muy mala suerte con los hombres"). Y yo pienso, principalmente con el hombre interno que hace tanta falta cuidar y sanar.

En fin, como creo también en la figura del artista educador que tiene esta doble vocación y profesión. Porque también le debo mucho aprendizaje intelectual y humano a mi trabajo como docente, esta es una ocasión de decir que agradezco lo que he podido elaborar gracias a tantos y maravillosos intercambios con mis estudiantes y colegas. 

La exposición podrá visitarse durante dos meses en la casa de la abuelita, os animo a pasar por allí y si venís el 14 será estupendo. 

La interesante obra de Henry Darger

Os dejo aquí la película subtitulada que se encuentra en youtube de la obra de este artista marginal, que trabajó toda su vida en el anonimato y cuya obra solamente se conoció al morir. Es muy interesante, iconográficamente espectacular, reinos del imaginario y con un dolor crítico de fondo tremendo.

Paseo por la exposición "La casa que nos habita"

Paseo por la exposición

Catálogo de la exposición "La casa que nos habita"

La casa que nos habita recorrido

El recorrido de la exposición "La casa que nos habita en la Sala Rigoberta Menchú  en el Museo de Escultura de Leganés.

Exposición "La casa que nos habita" del colectivo "La hija perfecta"

Mañana jueves y a las 20:00h inauguramos la exposición "La casa que nos habita", se trata de un trabajo que hemos realizado Mónica Aranegui y yo misma, juntas formamos el colectivo "La hija perfecta". En esta muestra presentamos el proceso investigador que realizamos en la ciudad de Lisboa en diciembre de 2011, buscábamos "la casa que nos habita" a través de un rastreo arquetípico, con una caminata de doce kilómetros. Si os animáis a ver qué pasó, venid a ver la muestra, es en Leganés en la Sala Rigoberta Menchú y en Museo de Escultura.

Consumir o consumirnos

Foto de Fábrica de Coca-Cola en Mogadiscio, Somalia, obra
del fotógrafo Matthias Bruggmann, exposición en la Maison D'Art
Bernard Anthonioz, Paris febrero 2013

Estos días con las clases de primaria hemos estado hablando acerca de lo que importa a la hora de cursar una asignatura, sobre la escuela, la educación artística, y ha salido el tema de la competitividad también. Fijaros en el chico del vídeo que rechaza el Ipod del premio porque considera que es contradictorio con el espíritu del concurso ese premio y habla de cuando sacamos buenas notas por competir con otros, no por nosotros mismos, a ver qué os parece y qué os da para pensar. El vídeo lo ha compartido mi colega posbolonio Raúl en su Facebook.

Imágenes ARCO 2013

El arte textil, las artesanías, lo "femenino" y su tradición

En ARCO 2012

A partir de las vanguardias en el siglo XX, no dejamos de replantear lo que sea "arte". Desde la educación artística y la antropología, observamos que lo considerado "arte", a veces es el reflejo del poder hegemónico de unos pocos. Vivimos un mundo desigual, donde la balanza parece inclinarse en una dirección muy clara. 

Lo que hacen las minorías, lo que hacen los que no tienen poder económico o fáctico que viene a ser lo mismo, generalmente no se considera ni gran cultura ni arte en mayúsculas. Luego paradójicamente, ese "gran arte", esa refinada estética, necesita beber de la fuente de lo popular porque se seca.

Se diría que hoy, con los medios masivos de comunicación de masas, quizás las cosas estén cambiando. Pero yo pienso que no es muy distinto.

En determinados momentos, colectivos de mujeres han utilizado las técnicas asociadas a "labores propias de su sexo" para desarrollar un lenguaje reivindicativo, que cuestiona el valor de los calificadores artísticos.

Todo esto me está recordando las agencias de calificación ¿qué las inviste en ese poder que trae tanto sufrimiento a la gente corriente, cuando luego se demuestra que son nidos de corrupción y trapicheos? Los trapicheos de la pequeña gente, de las minorías, los parias, el lumpen social se quedan cortos y son poéticos al lado de toda esa vergüenza de guante blanco sucio. ¿No os acordáis de la tremendamente triste y linda canción Qué demasiao de Sabina?

En este último ARCO me fijé en diferentes obras que utilizaban cuidadosamente la costura y el tejido. Hoy mismo me encantó ver esas letras dibujadas en hilo por nuestra colega Ana Balboa.

Coser requiere tiempo, cierta destreza que se adquiere practicando, paciencia. Cosemos para unir, para proteger los lados de la tela, para remendar lo que se está deshilachando, perdiendo. 

Cosemos nuestras vidas con las puntadas que podemos, al ritmo de nuestras emociones, a veces con el tambor de miedo doblando, pero si cosemos con el dedal puesto, ya estamos cosiendo protegidos.

En ARCO 2012

Fátima Miranda el 5 de marzo en el Reina Sofía

Con Fátima Miranda, nos encontramos casualmente en ARCO 2012

Conozco a Fátima Miranda de hace unos años, os aseguro que es una persona que no deja indiferente. El próximo día 5 de marzo tiene un espectáculo en el Museo Reina Sofía, será a las 20:30h, la entrada es libre hasta completar aforo y os animo a que nos vayamos a verla después de clase. 

Fátima trabaja con su voz y con su cuerpo en general, es performer sobre todo desde la comunicación musical, en su obra hay muchas referencias desde la canción popular a tradiciones musicales muy lejanas.

Fátima es una persona valiente que ha construido su vida en función de lo que siente como su camino de una forma coherente y con mucha fuerza. Una oportunidad para reflexionar sobre arte, comunicación, profesionales en esta contemporaneidad compleja.

Fátima Miranda cantará el 5 de marzo en el Reina Sofía

deCantar
VIII Festival ELLAS CREAN
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía-Auditorio 400
Ronda de Atocha s/n (Edificio Nouvel) – MADRID
20:30 h
Telef. de Información: 0034 917741000-Ext: 2250

E N T R A D A L I B R E
hasta completar aforo

Kieron Williamson construir un genio a la antigua

Kieron Williamson es un niño británico de 7 años. Según una noticia aparecida hoy 28 de enero de 2010 en el periódico ABC.es, a su corta edad ya es un pintor cotizado en el área anglosajona. Ha celebrado dos exposiciones individuales y la segunda se vendió en catorce minutos, hay una lista de espera de gente que quiere coleccionar uno de sus trabajos. Sus obras cuestan unos 1000 euros la pieza, y hace unas seis obras a la semana; dicen que no le fuerzan, le dejan a su aire y lo tiene como afición... una afición rentable ¿no?
El estilo es figurativo, pinta sobre todo paisajes al pastel, le han enseñado pintores locales y según comenta la noticia, empezó todo porque su padre por un accidente tuvo que dejar su trabajo como electricista y entró en el negocio del arte.
Para su edad, ya sabéis, aunque las etapas en el dibujo infantil no sean estancas, tendría que estar aproximadamente por la simbólica de oro, el esquemático en su plenitud y yo me pregunto ¿qué ha pasado con esas etapas? las pasó rapidito... o no las pasó, o dibuja esquemático fuera de este negocio... porque la iconografía que desarrolla se parece al naturalismo de un adolescente eminentemente visual, que es lo que dicen sus profesores que le caracteriza, que  capta muy rápido y visualmente el asunto y que habla poco. Por otra parte enlaza con la tradición en el arte de los genios descubiertos a corta edad que tan mal resultado han dado para comprender el proceso artístico y aun más la educación artística: varones todos, arte de hombres. Los trabajos que muestro no tienen muy buena definición pero se entiende el asunto.

La artista Anita Kunz dibuja a Michael Jackson como a Mickey Mouse

La artista e ilustradora canadiense Anita Kunz dibujó en los años 80 a Michael Jackson a partir de la imagen de Mickey Mouse. El trabajo de esta artista muy reputada, ilustradora en revistas como New Yorker y Time  tiene aspectos irónicos y está poblado de iconos mediáticos de la cultura visual, como es este caso. Anita explicó que el estilo de vida de Michael y sus excentricidades lo acercaban a los personajes de los dibujos animados y por ello así lo dibujó. Apareció en la portada de la revista Rolling Stone de julio del 2009, reeditada.
Me pregunto si será que los seres humanos nos vamos empapando tanto de la cultura de los estereotipos de consumo masivo que las vidas de algunas personas, rozan lo suprahumano, y entonces son posibles estas representaciones. Jackson es un héroe al uso, muerto prematuramente, eterno niño, pero que se convierte en icono eterno con ese final súbito, que le ha dejado en la memoria como una criatura a la que el tiempo transformaba, no en un ser maduro que con los años llegaría a anciano, sino en una construcción que retaba a la naturaleza, y ese reto le costó la vida.

Catálogo Virgenes Angélicas Dulces y Furiosas

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